Vers toutes les publications

Ouvrages publiés à titre de seul auteur

A paraître

Anonymous Art at Auction

2024

Un autre regard sur les marchés de l'art

2021

(R)évolutions du Street Art

2019

Sous influence

Je décide de devenir chansonnier à l'instar de Marcel Broodthaers ruminant: 147Moi aussi je me suis demandé si je ne pouvais pas vendre quelque chose et réussir dans la vie. [...] L'idée enfin d'inventer quelque chose d'insincère me traversa l'esprit. et je me mis aussitôt au travail.148 " À force d'écouter " radio comercial " sur l'autoradio de ma voiture de location au Portugal, je me mets au défi de composer une ode à Lisbonne dans le plus pur style bal de la sardine en espérant faire un carton, comme la valise de Linda de Suza bien sûr. Le titre initial, " Lisbonne ma bonne ", hommage au " Bruxelles ma belle " de Dick Annegarn hybridé avec le " London Calling " des Clash, est devenu " Lisbonne m'appelle " afin de ne froisser personne (et surtout pas ma bonne 151 ce qui n'est pas très punk, je vous l'accorde). Près d'un an plus tard, je continue à composer des chansons navrantes en ne renonçant à aucun mauvais jeu de mots (il me faut bien une éthique) et je dévore tout ce qui me tombe sous la main comme biographies, anthologies, manuels et interviews de tous ces paroliers qui ont écrit la légende de la chanson française, plus souvent dans l'ombre que dans la lumière. Sans remonter à Clément Marot, Boulanger ou Aristide Bruant, je me trouve une nouvelle famille de chansonniers...

Familles, je vous like

« Familles, je vous like ! », c'est d'abord une exposition aux Abattoirs de Bomel (inauguration le 18 septembre 2019) qui réunit le travail d'artistes de différentes époques, Norbert Ghisoland, Herman Bertiau, Anne De Gelas, Sébastien Reuzé, Gaël Turine, Natalia de Mello et le duo Libert+Suàrez sur le thème de la photographie de famille aux Abattoirs de Bomel (Namur). Cette thématique universelle et centrale permet en effet de réunir le travail d'artistes professionnels et de photographes amateurs ainsi que la participation directe de familles invitées à poser pour les photographes ou à partager avec le public leurs archives intimes tirées de leurs albums de photo. C'est donc aussi un regard, celui du commissaire et sociologue Daniel Vander Gucht, sur les familles d'aujourd'hui, les photos de familles constituant autant de portraits de société.

2016

Ce que regarder veut dire

Manuel de sociologie visuelle discutant son épistémologie et présentant son historique, son champ d'application, ses méthodes et techniques ainsi que des analyses de cas.

Monica Gallab : le dessin et l'usage du monde

2014

L'expérience politique de l'art. Retour sur l'engagement artistique

La Jalousie débarbouillée. Eloge de l'incertitude amoureuse

2008

L'an passé à Jérusalem. Journal yérosolymitain (2004-2005)

2006

Ecce homo touristicus. Identité, culture et patrimoine à l'ère de la muséalisation du monde

2005

La Jalousie débarbouillée. Eloge de l'incertitude amoureuse

2004

Art et politique. Pour une redéfinition de l'art engagé

1998

L'Art contemporain au miroir du musée

Ouvrages publiés en collaboration

2019

Pourquoi je n'écris plus de poésie

J'ai dû produire des kilomètres de poésie sous le signe de l'inspiration indomptable, de l'écriture automatique et du cut up, comme celle que reçoivent à la tonne les éditeurs avant de la retourner à l'expéditeur comme un boomerang. Si j'ai renoncé à en écrire après quelque temps, ce n'était pas par clairvoyance, mais au contraire parce que j'étais sottement persuadé que cet exercice m'était devenu trop facile. Et comme il me paraissait incongru voire sacrilège de remettre sur le métier ces textes auxquels je prêtais une vertu d'oracle, ma vanité ne me laissait d'autre choix que de brûler les pires et d'enfouir précautionneusement les autres comme autant de reliques. La courte sélection de textes que j'ai l'audace d'exhumer ici sont bien le résidu d'une obscure némesis face à l'esprit du temps, celui du tournant des années 1980, somme toute plus étourdissantes qu'éblouissantes, ambivalence que mon ami le peintre Xavier Noiret-Thomé a parfaitement saisie et restituée à travers ses évocations et ses trouvailles graphiques qui ressuscitent ces chants héroïques d'un autre âge 151 ce temps où nous étions vieux comme des jeunes gens modernes.

2018

L'art et son marché

2015

Les pratiques culturelles en Fédération Wallonie-Bruxelles: regards croisés

Robert, va te coucher

Alors que je n'écris plus de poésie depuis près de trente ans et que j'essaie en vain, depuis presque aussi longtemps, de trouver le bon angle d'approche pour écrire quelque chose de sensé et d'intéressant sur la musique qui compose la bande son de ma vie, je me suis surpris, durant l'été 2013 en Algarve, à combattre l'insomnie en composant, en compagnie de Robert installé sur mon Mac, une suite de poèmes rimés que j'ai tout naturellement intitulée " Robert, va te coucher " en les congédiant tout deux au petit matin. Leur rythmique et leur sonorité m'ont immédiatement convaincu de les mettre en musique (sauf que je suis aussi doué pour la musique et le chant que pour la cuisine moléculaire et le maniement de la scie sauteuse). Je ne déses173père pas que quelque musicien leur prête un jour prochain son talent mais j'ai trouvé entretemps un autre complice en la personne de mon ami le peintre Pascal Courcelles qui a accepté ma proposition d'insuffler, à la plume et au pinceau (sans compter les autres ustensiles dont je n'ai même pas idée), la vie à ces mots tapés sur des pages blanches... qui ne le seront pas restées longtemps.

Ouvrages édités à titre de seul éditeur ou en collaboration

2015

Hors-cadre : peinture, couleur et lumière dans l'espace public contemporain

2014

Aborder les bordures : l'art contemporain et la question des frontières

2013

La sociologie par l'image

2011

Spéculations spéculaires

CÉLÉBRATION(S)

Intégrations d'œuvres d'art

2007

De l'art contextuel au documentaire

2006

Le Paysage à la croisée des regards

2005

Le sens de l'indécence

2004

Exposer l'image en mouvement ?

1990

La Mise en scène de l'art contemporain

1989

Art et société

Parties d'ouvrages collectifs

A paraître

« Le dialogue entre les opérateurs du secteur des arts plastiques contemporains à Bruxelles : perceptions et perspectives d'un territoire créatif »

The Legal and Reputational Implications of the Platformisation of the Market for ‘Ordinary' Antiques: The Case of Drouot.com

2021

Study for a soap/Home : détournement esthétique et engagement artistique

2020

« New Connoisseurship Facing the Art market. The Reception of Pieter Brueghel the Younger at Auction »

Galerie Sorry We Are Closed

Entry for the Art Market Dictionary

Galerie Meessen de Clercq

Entry for the Art Market Dictionary

Galeries Apollo

Dictionary Entry for the Art Market Dictionary

2018

Zootopie for ever

2017

L'art et la manière de collectionner

De l'auteur singulier à la parole collective dans les nouvelles formes documentaires. 2. L'espace public et l'espace filmique

De l'auteur singulier à la parole collective dans les nouvelles formes documentaires. 1. L'espace théâtral

2016

Imaginaire et multitude dans la Cité : le cas Francis Alÿs

2015

Seul en scène : les mondes de l'artiste

Guillaume Greff : Game over pour Dead Cities

Peter Buggenhout

L'art dans l'espace public contemporain

Abraham de Bruyn (1539/40-1587) : cinq chevaux debout dans un paysage

2014

L'Art est le monde qui vient

Être artiste : une histoire de famille ?

Esthétique et politique : artistes et citoyens (se) partagent l'espace public

De la frontière à l'exil

2012

Les artistes en liberté conditionnelle

Pirater les images du désir

Damien Grenon : l'Atlantide est dans le hall d'entrée (et la concierge dans l'escalier)

Michel Le Belhomme : espaces sans issue

L'art contemporain au secours du social ? De la création à la participation citoyenne

2011

Comment libérer les artistes libres?

De la construction de la valeur en sociologie de l'art

Ici ... regarde une fois

Regardez avant de traverser !

Quelques réflexions sur l'avenir du passé

Stéphane Thidet

André Goldberg

Les enjeux de l'art contemporain dans l'espace public

2010

Médiations et médiateurs

2009

Galeriste ou l'art entre vocation et profession

Le syndrome patrimonial

Bruxelles, Saragosse, Courtrai

Lucy+Jorge Orta

2008

La position du missionnaire culturel

Résistance ou responsabilité culturelle?

2007

Le paysage à la croisée des chemins

Pour en finir avec la mytologie de l'artiste politique: de l'engagement à la responsabilité

L'art dans l'espace public comme analyseur des lieux communs de l'art politique

Claire-Jeanne Jézéquel

Mark Lewis

2006

D'autres réalités existent

Figures de l'engagement citoyen de l'artiste: entre activisme politique et esthétique relationnelle

Que signifie l'art engagé aujourd'hui? Quelques remarques méthodologiques et éthiques pour les artistes activistes

Edith Dekyndt

Cécile Massart

Jean-François Octave

2005

Expositions et oppositions

2004

Conclusions

Pour une réflexion ‘généalogique' sur le temps et l'espace dans les installations vidéo

Peter Fend

Christophe Fink

Marie-Christine Katz

2003

Petite promenade apéritive à la lumière des écrans

2002

Enjeux de la culture contemporaine

1999

Pourquoi publier des livres?

1996

Le devenir-monde du musée et le devenir-musée du monde

1993

La contribution de Henri-Joseph Redouté à la description de l'Egypte

1992

Les discours du texte

1991

Les félins à la guerre

Le chat dans les fables et les contes

1990

L'institution muséale à l'épreuve du marché de l'art moderne

1989

La notion d'art

Articles dans des revues avec comité de lecture

2023

Questioning the NFT “Revolution” within the Art Ecosystem

Valuing European Tapestry: From Riches to Rags

Attribution, Authentication, and Valuation Strategies in Eighteenth-century Paris Auction Markets

The Valuation of Copies for Chinese Artworks

Valuing European tapestry: from riches to rags

To counteract the longstanding bias toward paintings, this paper offers a preliminary, diachronic exploration of the market for European tapestries. By combining qualitative and quantitative data from sales and collection inventories, historiographical sources, and secondary literature, we shed light on past and present valuation mechanisms for this once esteemed luxury good. First, we discuss the supply of tapestries in the Early Modern period before examining demand. We then consider buyers' main motivations to commission woven works, including ostentation, devotion, lifestyle, and national identity building. Furthermore, we examine the characteristics that drove the medium's market value in the past, such as city brand name, technique and material, size, genre, and condition. We also investigate the variables that still influence buyers' willingness to pay in the contemporary auction market. The main contribution of this research is to highlight lesser-known works and markets that originated in the Early Modern period and that still represent a distinct segment of the art market in the present.

Regulation or Reputation? Evidence from the Art Market

This article investigates the role of regulation and reputation in the art trade. We look at attribution issues in the auction market, and in France in particular, where both regulatory and reputational mechanisms have been implemented. More specifically, we focus on the Marcus Decree—a pioneering decree that regulates the authentication process of artworks in France since 1981—and the self-regulated authentication systems developed by international top-tier auction houses. Our findings suggest that the implementation of the decree did neither significantly strengthen the market for autograph and non-autograph works, nor radically modify the landscape of attributions in France, whereas similar but stronger trends in prices and volumes are found in reputational markets (UK, US). We also attribute the moderate effects of the Marcus decree to the size and relative depth of the French art market, the concomitant globalization of the art trade and the development of technical art history, compliance mechanisms and legal compliance costs. Our results are supported by empirical evidence from a data set composed of 15th- and 16th-century Flemish paintings auctioned between 1972 and 2015 in a regulated market (FR), but also in reputational markets (UK, US, and other European countries).

Valuation Mechanisms of Fine European Tapestries in the International Auction Market

Using textile arts (antique European tapestries, in particular) as a case study, we demonstrate the potential of hedonic regression to better understand buyers' willingness to pay for these works at auction. Once highly valued, this medium offers unique characteristics that differ in part from paintings and affect buyers' purchasing behaviors differently. Based on a dataset of 602 wall-hangings sold at Christie's and Sotheby's over the last decade, our empirical findings suggest that local place branding, aesthetics (antiqueness and ornamental effects), and material quality are crucial price determinants of textile arts.

2022

Selling Low-brow Art and Cultural Goods in Times of Pandemic: The Case of a Provincial Art Market

2021

Complexité de l'emploi culturel marchand et non marchand

Art and culture in the COVID-19 era: for a consumer-oriented approach

2020

Les règles de l'écriture sociologie

The market reception of ‘new connoisseurship': The impact of recent advances in art scholarship on the selling and buying of early Flemish paintings

This paper empirically investigates the economics of the new connoisseurship and its market reception over the past decades. Auction prices of fifteenth and sixteenth-century Flemish paintings sold between 1946-2015 are used to assess the buyer willingness to pay for each attribution qualifier. Data are extracted from the Hislop's Art Sales Index and analyzed through statistical methods and in the light of art historical evidence. The first part of the paper retraces the evolution of the market for Flemish paintings, with a special focus on attributions, to demonstrate how salesrooms rapidly recovered new connoisseurship output. Comparative statistics for each kind of attribution (for lots sold and their value) are brought to show the gradual correlation between the level of authenticity and the price paid for each attribution qualifier. The second section argues that the quest for authorship can be viewed as a relative paradigm that depends on several parameters. The monetary value given to autograph and non-paintings tend to evolve over time (corollary to the evolution of new connoisseurship) and fluctuates with the reputation of the masters, and that of auction houses. This crossover study contributes to our understanding of the relationship between connoisseurship and the current reception of authorship. It reveals the great value that market players still give to the artist's hand, despite the deep change in mentality that has occurred in the academic field.

Buy One Painting, Get Two Names: An Empirical Analysis on the Valuation of Artist Collaborations in the Art Market

2019

Artworks without names: an insight into the market for anonymous paintings

This paper explores the market for indeterminate works of art. Our data set includes 1578 sales of fifteenth and sixteenth-century anonymous Flemish paintings, mainly collected from the Blouin Art Sales Index over the period 1955-2015. After a brief introductory section to the issue of anonymity in early modern art, and the different situations of information failure generated by anonymous paintings, the empirical part examines the supply and demand for paintings by unrecorded artists, using a hedonic pricing model. We find evidence that the degree of specification of the spatio-temporal designations given to the paintings (e.g. Flemish school, sixteenth century) affect prices differently (H1). The more specific the designation is in time and space, the more it tends to make up for the lack of information, and to positively affect the market value of anonymous paintings. When the artist name is missing, we also argue that purchasers pay greater attention to other quality signals. Four other hypotheses, which are expected to influence the buyer's willingness to pay, are successively tested: H2) the physical condition of the painting; H3) oral or written interventions by an expert; H4) the length of the lot essay; and H5) previous attributions to named artists. The results suggest that most of these variables operate as significant pricing characteristics. We finally compare price indices of named artists, indirect names and spatio-temporal designations.

«  Quand un nom vaut des millions. État et limites d'un marché de l'art fondé sur une économie du nom d'artiste »

The effect of experts' opinion on prices of art works: The case of Peter Brueghel the Younger

Experts' opinion affects prices of traded goods in several markets. In the art markets, their role is especially important but hard to identify. We focus on the unique case of leading expert Klaus Ertz, who published a catalogue raisonné in 2000 to clarify attributions of paintings by Old Master Pieter Brueghel the Younger, who was abundantly copied. We collected the sales of his paintings (autograph) as well as those from his atelier and followers (non-autograph) over the period 1972-2017. Using a difference-in-difference identification strategy, we establish that Ertz's expertise had a significant effect on the prices of autograph works: Buyers were willing to pay roughly 60% more for works sold at auctions considered autograph after Ertz's intervention.

2018

“The Master of …”: creating names for art history and the art market

The value of a painting is influenced above all by the artist who created it and his reputation. Painters nowadays are easy to identify and are used to signing their artworks. But what about those whose names have not survived the test of time? This paper contributes to the understanding of art valuation and art brands on the auction market. It focuses on a particular subset of anonymous artists labelled with so-called provisional names (“Master of …”). After considering the origins and reception of the practice of creating names for unrecorded artists, we empirically investigate the market behaviour of this niche segment. Based on comparative price indexes and hedonic regressions, we show that masters with provisional names have not only become autonomous brand names that are highly valued by the art market; they also outperformed named artists between 1955 and 2015. In the second phase, we analyse the provisional-name linked elements valued by the market. We find that art market participants pay attention to the creator of the provisional name, its long-term recognition and market visibility, and the typology of the names.

« The Implicit Value of Art Experts: The Case of Klaus Ertz and Pieter Brueghel the Younger »

« De l'usage maladroit de la signature d'artiste dans les études économiques »

2016

Isabella d'Este et la sculpture all'antica : deux témoignages sur l'essor du 'connoisseurship' en Italie au tournant des XVe et XVIe siècles

2015

L'enseignement de la sociologie visuelle

Artistes, musiques et publics en Wallonie et à Bruxelles (1990-2010)

Affirmation et économie d'une scène locale : le cas des groupes pop-rock issus de la Communauté française de Belgique entre 2000 et 2010

2013

Analyse des conditions de la célébrité en régime médiatique : une mise au point salutaire de Nathalie Heinich

Pour la sociologie visuelle et filmique

La sociologie au risque de l'image

2006

L'empire des signes ou la société esthétisée du tout partimonial

2003

De Malraux au MAC's. Méditations et médiateurs culturels en Communauté française de Belgique

2001

Droit de cité de l'art contemporain : les utopies participatives dans les arts plastiques contemporains

1998

Les investissements éducatifs des familles en Communauté française : résultats de l'enquête

1997

A propos d'une figure-monogramme d'Abou Simbel

La valeur ajoutée du signe déterminatif dans l'écriture figurative ramesside

Dieux et rois face à face dans les inscriptions monumentales ramessides

La valeur ajoutée du signe déterminate dans l'écriture figurative ramesside

The aim of this paper is the study of a specific aspect of the sportive writing's phenomenon, which can be seen in the monumental ramesside hieroglyphical inscriptions: to gather together enough instances to delimit the range of graphic solutions picked by the scribes when using the determinatives, so that it becomed possible to purpose a provisional categorization. Those (typo)graphical constructions are, if necessary, replaced in the evolution of the hieroglyphic egyptian writing, so to appreciate their novelty, in the same way to underscore the artificial character of our traditionnal determinatives class in itself.

1996

Sortie de l'art : l'art contemporain entre projet synesthétique et nécessité institutionnelle

Ramsès III, le pouvoir et les dieux

1994

La religion de l'amour et la culture conjugale

Le médiateur impossible. Lecture de la théorie du désir mimétique de René Girard à la lumière de la sociologie compréhensive

Pour une lecture ‘stratigraphique' des parois du temple de Ramsès III à Médinet Habou

Scène, paroi, récit

1992

La ritualité dans le cadre de la socialisation primiaire. Elements pour une socio-anthropologie de la prime enfance

La syntaxe formelle des reliefs et de la Grande Inscription de l'an 8 de Ramsès III à Médinet Habou

1991

Activité ludique et sociabilité enfantine : pour une socio-anthropologie de la prime-enfance

From public collections to private museums

Art at risk in the hands of the museum: From the museum to the private collection?

The academy and the museum were once in an organic interdependent relation as legitimate institutions of artistic production and consecration of their work, generating an academic art against which Impressionism led a symbolic revolution. Modern art has been able to succeed because state protection has been withdrawn from the academy, because of the opening of the Salon des réfusés and the progressive establishment of the modern art market. Today modern art has found its place in the history of art and entered the museum, which is flourishing more than ever, but in the process has undergone a redefinition of its traditional functions. The threats which menace the museum are mainly its loss of independence in its aesthetic judgement with regard to the art market - which has in a way replaced the academy as the museum partner in the modern art world - and the competition with richly endowed private collections displayed in a museum framework for the day-to-day writing of the history of art. This new situation implies the risk of the museum changing into a cultural amusement park, and for contemporary art to become museum art guaranteed by the art market. © 1991, SAGE Publications. All rights reserved.

Editorial

1990

Editorial

1989

Les représentations sociales de l'art et de l'artiste

Epilogue: la notion d'académisme à l'ère post-moderne

Editorial

Quelques réflexions sur l'espace et le récit à Médinet Habou

1988

Bilan programmatique

L'académisme et la socialisation de l'artiste. Eléments pour une sociologie de l'art

Post-modernisme et peinture "malgré tout" : situation et représentations de la jeune peinture belge des années 80

Histoire de l'art; le positivisme hagiographique

1987

Le jeu libre comme forme socialisatrice de la prime enfance

Articles dans des revues sans comité de lecture

2018

De la subversion à la subvention

2011

Ethique toc et tics tech selon Natalia de Mello

2009

Le syndrome patrimonial et la société commémorative

Mouvements de mémoire et mémoires en mouvement chez Georges Didi-Huberman

Communications publiées lors de congrès ou colloques nationaux et internationaux

A paraître

À propos d'une coupe all'antica de Pietro Maria Serbaldi :un prototype du faux archéologique à la fin du Quattrocento ?

2023

Collectionner les tableaux anciens. Caractéristiques de l'offre et mécanismes de formation de la valeur marchande

2017

L'ISELP, un institut en devenir permanent

2009

L'art contemporain dans l'espace public

(Re)création

1999

Ritualité et sociabilité enfantine

Rapports de recherche, comptes rendus, lettres à l'éditeur, working papers

2023

The Valuation of Copies for Chinese Artworks

Are copies always inferior to originals in value? In this paper we first detail the differences between the Western and the Eastern worlds' appreciation of copies. While the hand of the artist is vital in the evaluation of an artwork in the West, Chinese markets also consider the formal aspects of copies in art valuation. Focusing on the eminent Chinese old master Dong Qichang (1555-1636), an artist who was instrumental in developing a system of naming the artists he copied, our empirical analysis demonstrates that the prices of copies may be higher than those of originals. The paper therefore sheds light on how buyers value copies in the context of a globalized art market.

2021

Regulation or Reputation? Evidence from the Art Market

We study the effect of public regulation of the art market. In 1981, France passed a Decree to regulate attribution practices, in a market where authenticity plays a key role in valuation and price formation mechanisms. By using empirical evidence from sales of early Flemish paintings (1955-2015), we show that the decree had a limited impact not only on due diligence and attribution practices but also on value of sales. The size and relative depth of the French art market compared to other countries, as well as the development of technical art history, the globalization of the art market, and compliance mechanisms explain the moderate impact of this Decree on old master sales. Our results therefore suggest that to regulate attribution in the arts, market mechanisms might be more effective than regulation.

2020

La valeur marchande du nom d'artiste

2018

The Master of …”: Creating Names for Art History and the Art Market

The value of a painting is influenced above all by the artist who created it and his reputation. Painters nowadays are easy to identify and are used to signing their artworks. But what about those whose names have not survived the test of time? This paper focuses on a particular subset of anonymous artists labelled with socalled provisional names (“Master of …”). After considering the origins and reception of the practice of creating names for unrecorded artists, we empirically investigate the market behavior of this niche segment. Based on comparative price indexes and hedonic regressions, we show that masters with provisional names have not only become autonomous brand names that are highly valued by the art market; they also outperformed named artists between 1955 and 2015. In the second phase, we analyze the provisional-name linked elements valued by the market. We find that art market participants pay attention to the creator of the provisional name, its long-term recognition and market visibility, and the typology of the names.

2017

The Implicit Value of Arts Experts: the Case of Klaus Ertz and Pieter Brueghel the Younger

Pieter Brueghel the Younger (c. 1564/65 - 1637/38) is a well-known painter who reproduced the works of his celebrated father Pieter Bruegel the Elder (c. 1525/30-1569). We collected the sales of his original works as well as those from his atelier and followers over the period 1972-2015 and compare the prices of two categories of works: his autograph works, and all others, whether partly autograph or untouched by him. Confusion among the types was floating around, since the same compositions exist in many versions and dimensions, and were probably even executed by different painters. In 1997-1998, the German independent art historian Klaus Ertz curated a large itinerant exhibition in four European countries dedicated to Pieter the Younger. At the time, it was known that he was working on a catalogue raisonné (CR) of the painter to which he referred substantially, though it came out in 2000 only. We use difference-in-differences estimation to establish that the exhibitions and the information concerning the catalogue had a significant effect on the prices of autograph works. Though we cannot judge whether Ertz's attributions are right or not, it seems that buyers started feeling more confident, since they were ready to pay roughly 60 percent more for works considered autograph after the late 1990s.

2016

Conference Review: Art & Market: Alienation or Emancipation?

2013

Enquête qualitative sur les pratiques culturelles en Communauté française

Bruxelles ville de cultures. Complément à l'Étude en vue de l'élaboration d'un plan culturel pour Bruxelles

Bruxelles ville de cultures. Complément à l'Étude en vue de l'élaboration d'un plan culturel pour Bruxelles, Cocof/Direction d'Administration des Affaires culturelles et du Tourisme - Services des Affaires socioculturelles, rapport de synthèse, 2013, 82 p., promoteur : Daniel Vander Gucht (Groupe de recherche en sociologie des arts et des cultures, ULB), co-promoteurs : Jean-Louis Genard (Unité de recherche en Architecture et Sciences Humaines et Groupe de recherche sur l'action publique, ULB) et Christine Schaut (Centre d'Etudes Sociologiques, Université Saint-Louis), chercheuses : Laura Curado, Louise Carlier, Sarah Gilsoul, Sabine Guisse (ULB).

2012

Étude en vue de l'élaboration d'un plan culturel pour Bruxelles

Étude en vue de l'élaboration d'un plan culturel pour Bruxelles, Cocof/Direction d'Administration des Affaires culturelles et du Tourisme - Services des Affaires socioculturelles, rapport final, 2012, 47 p., promoteur : Daniel Vander Gucht (Groupe de recherche en sociologie des arts et des cultures, ULB), co-promoteurs : Jean-Louis Genard (Unité de recherche en Architecture et Sciences Humaines et Groupe de recherche sur l'action publique, ULB) et Christine Schaut (Centre d'Etudes Sociologiques, Université Saint-Louis), chercheuses : Laura Curado, Louise Carlier, Sarah Gilsoul, Sabine Guisse (ULB).

1997

M. SCHADE-BUSCH, Zur Königsideologie Amenophis III : Analyse der Phraseologie historischer Texte der Voramarnazeit = HÄB 35 (1992)

1996

Les investissements éducatifs des familles en Communauté française de Belgique

Les investissements éducatifs des familles en Communauté française de Belgique

S. AUFRERE, J.-Cl. GOLVIN et J.-Cl. GOLVIN, L'Egypte restituée : sites et temples de Haute Egypte (1650 av. J.-C. - 300 ap. J.-C.), Paris, 1991

1992

Groupe µ, Traité du signe visuel : pour une rhétorique de l'image, Paris, 1992

1989

Fondation d'une sociologie de la petite enfance en Belgique francophone

Fondation d'une sociologie de la petite enfance en Belgique francophone, Ministère de l'Éducation Nationale et de la Communauté française de Belgique, « Sociétés enfantines et cultures gardiennes », rapport intermédiaire n° 1, Institut de Sociologie, 1989, 41 p.

1987

Les exigences liées à l'enseignement du français dans les deux dernières années d'étude du niveau secondaire supérieur

Les exigences liées à l'enseignement du français dans les deux dernières années d'étude du niveau secondaire supérieur, rapport intermédiaire n° 2 (en collab. avec I. Heyndels), Ministère de l'Éducation Nationale et de la Communauté française de Belgique, Institut de Sociologie, 1986, 92 + X p.; rapport final n° 3, Institut de Sociologie, 1987, 210 p.; rapport de synthèse, Institut de Sociologie, 1987, 12 p.

1985

Les enseignants et les jeunes de 14 à 19 ans non scolarisés

Rapport de synthèse de l'enquête internationale « Early School-Leavers » réalisée à l'instigation du Ministère de l'Éducation Nationale et de la Communauté française de Belgique, Institut de Sociologie de l'ULB.

Participations à des congrès et colloques internationaux

2020

The Economic Value of Art: Current views with a special focus on the market for Old Master Paintings

Selling and Buying Anonymity

2019

Buy One Painting, Get Two Names: Are Collaborative Paintings Valued in Differently in the Tertiary Market?

Le nom de convention comme agrégat d'informations : définition et application d'un modèle empirique au marché de la peinture flamande des XVe et XVIe siècles

2018

“Buying Artworks Without Names: An Insight into the Market for ‘Anonymous' Flemish Paintings”.

Selling ‘Knowledge'? The Market Reception of New Connoisseurship”

“When the artist's name is missing. Exploring the auction market for ‘anonymous' Flemish paintings”.

«  Quand un nom vaut des millions. État et limites d'un marché de l'art fondé sur une économie du nom d'artiste ».

2017

« This superbly preserved painting is one of the finest examples of the most popular compositions of the Netherlandish tradition » : la prescription de la peinture ancienne au 21e siècle par le marché des ventes aux enchères publiques

Le marché des Old Master Paintings - dit ‘marché de la connaissance' - offre un cadre analytique opportun pour interroger la prescription culturelle appliquée au marché de l'art classé, dès lors que ce segment engage dans une relation réciproque trois champs distincts : 1) le secteur marchand, le milieu académique (recherche, expertise) et 3), le public du marché. Particulièrement concernés par les récentes avancées scientifiques en matière d'authentification des maîtres anciens, les acteurs du marché ont été contraints de se tourner vers des méthodes de cataloguing plus sophistiquées en vue de réduire l'asymétrie d'information et l'incertitude autour d'une production de qualité variable, dont la faible représentativité sur le marché (4% en 2015) témoigne du désintérêt croissant de la part du public. Cette professionnalisation du marché, corollaire au progrès de la recherche en histoire de l'art, pose néanmoins question sur la faculté de ce dernier à gérer et à promouvoir ce patrimoine, dans un contexte de raréfaction des chefs-d'œuvre anciens. En tant que gatekeepers du marché de l'art, les maisons de ventes ont pourtant longtemps contribué à former un public d'amateurs et de collectionneurs au goût d'une époque. Au 21e siècle, dans un contexte où les normes traditionnelles d'appréciation de la qualité artistique ont été bousculées par l'avènement du paradigme de l'art contemporain, il convient de s'interroger sur la manière dont les prescripteurs du marché se positionnent vis-à-vis de la peinture ancienne. A partir d'une recherche empirique qualitative (analyse de corpus) portant sur un échantillon de notices de catalogues publiées en 2015 par deux maisons de ventes internationales, cette communication entend étudier les mécanismes de récupération du discours scientifique par le marché, à des fins croisées d'éducation et de prescription, en concentrant les recherches sur les œuvres flamandes, toutes catégories d'attribution confondues. L'attention portée à ces mécanismes permet de soulever l'existence de critères normatifs régulant les valeurs diffusées par et sur ce segment, lesquels favorisent une meilleure appréhension de ce que les institutions du marché tendent à prescrire auprès des consommateurs. Le comportement des destinataires sera quant à lui observé en s'appuyant sur l'hypothèse selon laquelle, le prix qu'un acheteur est à même de payer pour une œuvre, témoigne de la valeur qu'il lui confère. Les résultats de cette analyse tendent à démontrer que ce n'est plus tant l'œuvre elle-même qui est au cœur de la prescription mais, plus largement, un système de valeurs associé au nom de l'artiste, dont la pertinence en matière de peinture ancienne est pourtant de plus en plus relativisée par les historiens de l'art.

2016

The current Dialogue in the Brussels Contemporary Art Field: Perception and Perspective

New Connoisseurship Facing the Art Market. The Reception of Pieter Brueg(h)el's Paintings on the International Auction Market

Museums' Acquisition Policies: New Challenges in the 21st Century

Les méthodes quantitatives au service de l'étude de la réception des maîtres anciens : perspectives de recherche en Histoire de l'art

Peinture ancienne, connoisseurship et marché de l'art sont trois champs d'étude qui, depuis l'essor du collectionnisme au XVe siècle, se caractérisent par un système d'interdépendance. L'examen des relations qui s'opèrent entre ces champs est décisif pour l'Histoire de l'art dès lors qu'il contribue à faire progresser la connaissance en matière de réception des maîtres anciens au fil des siècles. Cette problématique ne peut toutefois faire l'objet d'une étude approfondie sans un recours préalable à des concepts pluriels, relevant simultanément de l'histoire de l'art (pratiques d'atelier, authenticité, originalité, qualité, goût…) et de l'économie de l'art (mécanisme de l'offre et de la demande, valeur hédonique et marchande, prix de vente, inflation...). Si ces disciplines - historiquement perçues comme antagonistes - requièrent des exigences qui leur sont propres, elles n'en revêtent pas moins un intérêt notable pour l'étude de la production artistique, comme en témoignent notamment les publications encore récentes de travaux académiques situés à la croisée des sciences historiques et économiques*. L'objectif de cette communication est de questionner,du point de vue de l'historien de l'art, l'insertion des méthodes quantitatives dans notre discipline, d'ouvrir le débat sur les apports et les limites de cette interdisciplinarité mais surtout de pointer les contraintes méthodologiques auxquelles tout chercheur s'expose (gestion de base de données, traitement statistique, ranking, usage du catalogue de ventes comme document historique...) lorsque de telles pratiques sontappliquées à l'étude de la réception des maîtres anciens*.*Parmi les études pionnières, devenues références, il convient de citer celles de H. Van Miegroet et N. De Marchi, V. Ginsburgh et S. Weyers, etJ. Montias.* Dans le cas de la présente communication, à l'étude des maîtres flamands actifs aux XVe et XVIe siècles.

2009

La liberté de l'artiste: une insurrection de salon?

Ecce homo touristicus

L'art contemporain au secours du social ? De la création à la participation citoyenne

2008

L'avenir du livre et de l'édition indépendante

L'art vidéo dans l'espace public

L'art contemporain dans l'espace public

2007

Les emprunts réciproques de l'art et de la sociologie au vingtième siècle

2006

Espace et temps dans l'art vidéo

2005

Etat esthétique et art contemporain

De l'art public à l'art relationnel

2004

Instrumentalisation de la culture

Les conférences comme interface entre le public et l'art contemporain

Sans date

Une coupe all'antica de Pietro Maria della Pescia : retour critique sur un cas de falsification dite intentionnelle à l'aube du Cinquecento

Thèses et mémoires

2019

La valeur marchande du nom d'artiste. Une étude empirique sur le marché de la peinture flamande (1946-2015)

À partir d'une base de données de plus de 13 000 résultats de vente de tableaux flamands (XVe-XVIe siècles), l'objectif de la recherche est d'analyser la réception marchande du nom d'artiste, et la façon dont les différentes stratégies d'identification exploitées pour conférer une identité aux tableaux anciens affectent la propension à payer des acheteurs. Après une introduction à la problématique du nom d'artiste et sa réception critique dans différents domaines de recherche (linguistique, histoire de l'art, sciences cognitives, marketing, économie), la création d'un indice des prix permet de retracer pour la première fois l'évolution du marché de la peinture flamande entre 1946 et 2015, et de procéder à l'identification des principales variables intervenant dans la formation des prix. Un premier volet est consacré au marché des tableaux déterminés, pour lesquels le nom de l'artiste est connu. Successivement sont envisagés les marchés des œuvres autographes (noms de marque historiques), de Pieter II Brueghel (nom de marque premium) et des œuvres de collaboration (co-branding). Le second volet porte sur le marché des tableaux indéterminés, soit des biens pour lesquels l'identité de l'artiste demeure inconnue. Les différentes alternatives nominales de l'échantillon font l'objet d'études de cas approfondies, portant successivement sur l'économie des degrés d'attribution (noms indirects), les maîtres à noms de convention (noms fictifs) et les désignations spatio-temporelles. La question des réattributions est envisagée dans un dernier temps (rebranding). La principale contribution de cette étude est de démontrer que sur le marché de l'art ancien, non seulement les noms historiques importent, mais également les multiples alternatives nominales utilisées par les parties prenantes des champs savant et marchand pour labelliser les œuvres indéterminées. Noms indirects, noms provisoires et désignations spatio-temporelles fonctionnent comme des labels qui participent à la création de valeur autour des tableaux flamands. Ces stratégies d'identification réduisent significativement l'incertitude et l'asymétrie d'information qui pèsent sur l'identité de l'artiste et/ou les origines de l'œuvre, tout en affectant différemment les prix de vente en fonction du degré d'information véhiculé et de son efficacité. Du point de vue du marché, toute œuvre d'art peut ainsi être perçue comme un agrégat d'informations, parfois plus estimé que l'objet physique per se.

1995

Du lisible au visible

1994

Le musée et l'art contemporain

Activités de vulgarisation

2017

Autour d'une sociologie visuelle

Retour Rue la Boétie

http://www.moustique.be/auteurs/anne-sophie-radermecker

2016

La jalousie : un sentiment naturel?

2013

Les paradoxes du politiquement correct

Impertinence et auto-censure

2009

The paradoxical contemporary art museum

2008

Mark Wallinger a gagné le Turner Prize

2007

La position du missionnaire culturel

L'élitisme pour tous: oxymore populiste ou exigence démocratique

2006

Pour un art critique

2005

De Haïfa à Gaza

2004

Réponse d'un juif européen à Amos Oz

2001

Les artistes : nos contemporains

Direction d'ouvrages: chapitres rédigés par des membres de l'ULB

2006

Le paysage : de la représentation à la mise en scène

Les figures d'un pays

Direction d'actes de colloque: chapitres rédigés par des membres de l'ULB

2014

De la délimitation des territoires géographiques aux frontières charnelles: le corps, la cicatrice et la matière, de Frida Khalo à Marina De Van

2007

Constructions et simulacres, de Peter Watkins à Michael Moore

2005

La Première Guerre mondiale et l'image photographique

2004

Le cinéma pétrifié ou quelques réflexions sur la mise en scène d'oeuvres filmiques comme objets d'exposition

Direction de thèses

2022

Des différents modes de diffusion de l'œuvre d'art : L'improbable comme générateur de sens en art actuel

Sous la forme d'une recherche-création, ce travail de thèse s'intéresse aux différents modes de diffusion en art actuel et à leurs impacts sur la production et le processus de diffusion des œuvres d'art. Par diffusion, il est question du moment où une œuvre d'art rencontre un public, aussi modeste soit-il. Les moyens de diffusion se définissent comme les stratégies et tactiques mises en œuvre pour qu'une œuvre d'art trouve public. L'hypothèse posée est que la diffusion des œuvres d'art est en elle-même un champ exploratoire, un espace de création, et non pas un simple moyen d'exposition ou de promotion des œuvres. Ces recherches visent à comprendre, du point de vue de l'artiste, comment le moment de la diffusion artistique participe activement au sens de l'œuvre et à sa poétique mais également à situer la diffusion artistique dans le processus historique d'autonomisation et de légitimation de l'artiste. Par l'observation et l'analyse des interactions et des mécanismes à l'œuvre lors de la diffusion des œuvres d'art, comment élaborer des formes non-conventionnelles de diffusion artistique et ainsi proposer un contre-modèle pour la diffusion en art actuel? Ce travail s'appuie sur une méthodologie descriptive et qualitative basée sur le principe suivant : faire de l'art ici et maintenant, avec ce qu'on a. Les expériences de diffusion en art actuel développées tentent d'explorer de possibles alternatives aux modes conventionnels existants (la galerie, le musée et leurs réseaux associés) en plus de révéler les rapports entre modes de diffusion et œuvres d'art, autonomie de l'artiste et mondes de l'art. Nous tentons de montrer que les dispositifs proposés reposent sur un concept opérant que nous nommons improbable - improbable du lieu, du mode d'exposition, de ce qui en est dit. Ces recherches questionnent les paramètres actuels de la diffusion artistique pour ainsi proposer un nouveau paradigme, à savoir l'improbable comme générateur de sens en art actuel, et un contre-modèle prenant acte de l'incertitude qui traverse tout processus de création artistique.

2019

Le dédoublement de soi : une posture réflexive de l'artiste[]chercheur

La recherche en « art et sciences de l'art » que nous avons menée pour notre doctorat a comme point de départ le projet artistique de la Mosaïque. Celle-ci regroupe des avatars qui sont générés de manière stratégique et critique pour investir le milieu de l'art. Ce projet a vu le jour au début des années deux mille pour répondre, avec une certaine distance, à des attentes institutionnelles dans le cadre de notre bachelor en arts visuels pour ensuite être développé dans un contexte professionnel. Cette démarche réflexive nous a permis d'accumuler des expériences et des informations sur le fonctionnement sociologique, économique et politique des mondes de l'art. Pour cette thèse, nous avons explicité cette méthode de dédoublement, mais nous l'avons aussi utilisée comme méthode méta-réflexive pour proposer une posture d'artiste[ ]chercheur. Ainsi, dans un cadre institutionnel aux sensibilités académiques parfois divergentes entre l'Université et les Beaux-Arts, nous avons tenté de dépasser un certain nombre de clivages (théorie/pratique, artistique/esthétique, subjectif/objectif, etc.) propres à notre discipline que sont les arts visuels. Pour nous approcher de ce but, nous avons formalisé et conceptualisé le rendu de notre projet artistique à travers la rédaction d'un « essai augmenté » (par des hyperliens) dans les pages qui vont suivre et un diagramme interactif (une topographie conceptuelle de la Mosaïque) consultable sur un site Web (www.mosaique.li). Nous avons envisagé, dans une approche pragmatique, la diversité de ces niveaux d'investigation comme un écosystème s'inscrivant dans une « écologie esthétique ». Autrement dit, en étant paradoxalement acteur, chercheur et spectateur dans notre propre domaine, nous avons effectué, sous ce triple statut, une recherche (sur un projet artistique) et une méta-recherche (sur la méthodologie et l'épistémologie de cettedite recherche). Par conséquent, nous n'avons pas souhaité aboutir à une « vérité » scientifique à partir d'une hypothèse à valider, mais plutôt à étudier en quoi un projet en art peut être une source de savoirs éclairés par l'analyse d'une pratique artistique avec l'apport des sciences sociales, humaines et naturelles. En partant du fait que l'art est destiné à un public, la dernière partie de cette recherche est consacrée à sa propre réception par un spectateur-lecteur. Nous nous sommes interrogés sur les régimes cognitifs qui permettent de solliciter l'attention, mais aussi sur la manière dont nous la prêtons dans un environnement médiatisé par une interface numérique. Il s'agissait ici de réfléchir à la réception d'une recherche produisant des objets d'informations singuliers ayant une dimension esthétique et prenant forme dans l'hybridation du tangible et du numérique.

2018

Analyse de l'utilisation des éléments traditionnels dans la création de l'art contemporain chinois : un point de vue d'artiste

À partir de l'année 1979, une combinaison complexe s'est peu à peu formée entre d'une part ce qu'on appelle l'art contemporain occidental, et d'autre part l'environnement ancien de l'art chinois traditionnel, engendrant l'art contemporain chinois tel qu'il s'est construit jusqu'à nos jours. Au cours des différentes phases de ce processus, la réutilisation d'éléments traditionnels de l'art chinois dans des œuvres d'art contemporain a représenté une composante importante qui non seulement ne peut être ignorée, mais constitue l'une des forces structurante de la création artistique contemporaine chinoise.Pour cette thèse, c'est depuis un point de vue d'artiste, celui de l'auteur, qu'ont été menées quatre années de recherches, de réflexion et d'attention sur ces thèmes de la persistance et de la résurgence, dans la création contemporaine chinoise, d'éléments caractéristiques provenant du passé. Par une analyse historique de différentes phases de changement dans la création en Chine, à travers de nombreuses interviews que nous avons effectuées, par le recoupement de textes critiques et officiels, ainsi que par l'étude de recherches actuelles d'artistes contemporains, nous avons cherché à mettre en lumière les raisons profondes, la signification et l'importance de ces phénomènes dans l'art moderne chinois.

2017

Le Corbusier et le cinéma, la promotion d'une oeuvre

The present study focuses on the cinematographic and television production of and on Le Corbusier, realized during his lifetime. Long ignored from photography and publishing as an instrument of communication for architecture and urban planning, this filmic work remains little known and recognized. The thesis is built in two parts: a catalogue volume of the filmic work, forming the corpus of the study, and a reflexive volume, which questions various aspects of creation and diffusion of this production.The first challenge of the thesis was to study the mass of archives relating to the various film projects in order to fill the gap of this aspect of Le Corbusier's production, to include it fully in his artistic production. The catalogue is the result of a transdisciplinary research, which required an investigation into three research domains: architecture, cinema and television, taking into account the specificities of each discipline. Each project or production of a documentary is described from its phase of intention to reception until its valorisation today, including technical data and contemporary references to films. This volume makes it possible to measure the importance of the quantity of cinematographic and televised documents that Le Corbusier undertook during his life or for which he was solicited. No other architect has been so frequently involved in documentary projects.The second research, reflexive, analyses the modalities of communication and representation of the architecture and urbanism of Le Corbusier through cinema and television. From crossing transdisciplinary theories - reception, diffusion, socio-economic, semiotic and rhetorical - with Le Corbusier's cinematographic and televised work, three hypotheses result: transmission, transposition and transcription.The study begins by questioning the mechanisms of transmission. By this is understood any mechanism of mediation of Le Corbusier through the documentaries - and by extension the television interviews. Crossing the results of the corpus with the theories of reception, diffusion and marketing, builds insights into the effectiveness or inefficiency of certain documentaries as tools for communication and even promotion.In a second stage, the knowledge about Le Corbusier's creation process, both in terms of the representation of architecture and in terms of the construction of discourse in cinematographic documentaries, is deepened. The principle of transposition begins with the observation that cinematographic documents maintain close links with their photographic contemporaries. The research uses semiotic theories to analyse how Le Corbusier composes with the imaginary and techniques of photography to design his film projects.The third principle, transcription, focuses on Le Corbusier's cinematographic argument. Here the analysis starts from the observation that Le Corbusier's writings on cinema and the thoughts he emanated, do not stick with the cinematographic reality and the necessities of a cinema of communication. His rhetoric in the cinema is analysed by taking the techniques described by the main theorists of rhetoric and compared to the examples from conferences and publications.This research allows to draw four conclusions. First of all, it turns out that film production is a very significant creative and functional production in Le Corbusier's work, which deserves to be valued. Then, reception by a large public, successful or not, seems intimately linked to the architect's efforts at the political level. Thirdly, Le Corbusier's way of promoting his work through film can be equated with marketing strategies. Finally, the analysis of the creative process of films has made it possible to understand the transversality of mediums, and to grasp even more the importance of a valorisation of this filmic work in the work of Le Corbusier.

2015

Etirer la communauté artistique au monde

Cette thèse envisage la mondialisation de l'espace artistique sous l'angle des représentations et des valeurs de l'art qui soutiennent le phénomène et lui donnent forme. Cette problématique est abordée au travers du cas de l' "art contemporain africain", des disputes et des controverses dont il est l'objet. Parce que ces dernières se manifestent principalement à l'occasion de grandes expositions et de biennales d'art contemporain en Europe comme en Afrique, elles constituent les terrains d'enquête de la recherche.

Participation aux jurys de thèse

2023

Four Essays in Applied Microeconomics

This dissertation consists of four self-contained chapters, each based on an independent research paper. The first two address the role of expert judgments on consumer behavior and welfare by focusing on the Goncourt Prize and the Booker Prize. The third and fourth chapters study the role of demonstrations and the determinants of corruption. All four chapters are empirical and rely on observational data. The challenge in applied work when randomized control experiments cannot be used is to draw causal inferences, which is the core message of the “identification revolution” in economics. The common feature of the chapters of this dissertation is that each one addresses causality by using a specific identification strategy taking advantage of a natural experiment. Specifically, Chapter 1 rests on a regression discontinuity design allowed by the decision process of the Goncourt to assess the effect of the prize on sales. Chapter 2 relies on a difference-in-differences strategy to investigate the impact of the Booker on consumer welfare. Chapter 3 estimates the efffect of demonstrations on voting outcomes in the 2002 French presidential election by using weather conditions as an instrumental variable. Finally, Chapter 4 implements a regression discontinuity design to study the effect of electoral rules on political corruption by leveraging the fact that the French law for municipal elections conditions the electoral rules on the population size of a municipality. I provide below a succinct overview of the method and findings of each chapter.

SCULPTURE DOCUMENTAIRE, HYPOTHÈSE D'UN RÉCIT PLASTIQUE NÉO-FACTUEL

Mobilisé habituellement en cinéma, en photographie ou dans une moindre mesure en théâtre, le documentaire est de plus en plus convoqué - et convoité - en art contemporain. Mon hypothèse est que le mode documentaire pourrait trouver un nouvel écho dans le champ de la sculpture. Ce que je souhaite ainsi démontrer dans cette thèse est la potentialité d'interrelations entre le registre documentaire et une représentation artistique en trois dimensions. Plus précisément, la thèse se propose d'interroger la notion de sculpture documentaire, en miroir à ma pratique de reconstitution historique. Entre une auto-pöiétique et une réflexion prospective, la recherche décrypte le processus d'élaboration des oeuvres à l'aune d'enjeux documentaires. Elle entrelace deux perspectives : d'une part, celle visant à identifier les mécanismes narratifs et les opérations documentarisantes mises en jeu dans l'écriture de la reconstitution, et d'autre part, celle s'ouvrant sur les enjeux critiques et esthétiques de la sculpture documentaire que je réunis sous le label d'une représentation néo-factuelle.

2022

Travailler dans les arts du spectacle en Belgique. Trajectoires professionnelles dans des espaces aux frontières poreuses

Au travers d'entretiens biographiques et d'observations ethnographiques, la thèse étudie les manières de vivre (au sens de tirer des revenus) et de s'engager dans le travail d'artistes de spectacle dans le contexte belge. L'enquête est tenue auprès d'artistes dits « ordinaires », ces nombreuses travailleuses et nombreux travailleurs artistiques qui peuplent le bas de la pyramide professionnelle, vivant ou essayant de vivre de leurs activités artistiques. L'hétérogénéité des profils met en exergue les différentes identités au travail de ces artistes et leurs navigations entre plusieurs activités professionnelles, mondes de l'art ou postes de travail. L'objet de recherche, à cheval sur trois mondes de l'art généralement étudiés séparément - la danse, la musique, le théâtre -, pose la question de la porosité des frontières : celles qui délimitent une profession, celles qui séparent la vie privée de la vie professionnelle, celles qui partitionnent les catégories disciplinaires et statutaires. Cette thèse met en évidence l'importance d'analyser les activités artistiques dans leur articulation à trois types d'espaces : les espaces professionnels, les espaces identitaires et l'espace social. En effet, si l'analyse longitudinale de ces trajectoires hétérogènes rend compte des nombreuses navigations que vivent ces travailleurs à la carrière incertaine, elle rend également compte des ressources sociales, symboliques et économiques qui définissent des positions professionnelles inégalitaires, au centre ou à la périphérie des espaces professionnels artistiques.

2021

Fiction et projet dans l'œuvre d'Alain Bublex (1985-2017)

Au travers d'une étude critique, cette thèse de doctorat traite de la relation entre la fiction et le projet dans l'œuvre d'Alain Bublex. Elle se fonde sur une étude préliminaire des archives de l'artiste, suivie à partir de 2014 de discussions régulières. Une attention particulière est portée aux aspects techniques du travail : techniques de conception, matériaux et savoir-faire mobilisés, opérations de façonnage, statut de la pratique.Alain Bublex fut designer chez Renault pendant près de dix ans. En basculant dans le monde de l'art au début des années nonante, il tourne le dos à une conception classique de l'activité de conception pour développer des projets fondés sur le double impératif de ne rien inventer et de ne rien réaliser : d'une part il revisite des idées existantes, conçues par d'autres ou empruntées au grand répertoire de l'ordinaire, d'autre part il n'aboutit jamais ses projets, se contentant de donner un regain de visibilité à une idée sans envisager une mise en œuvre ou une production. Ces projets, en mettant de côté deux fondements essentiels de la définition courante du projectif que sont l'invention et la réalisation, invitent à reconsidérer certains problèmes de définition, notamment pour ce qui concerne la frontière poreuse qui sépare imaginaire fictionnel et imaginaire projectif. Nombre de projets de Bublex présentent en effet une dimension fictionnelle ; en même temps, ils doivent être distingués de formes fictionnelles plus classiques, notamment littéraire, théâtrale ou cinématographique. La thèse propose d'envisager un régime interprétatif mixte, associant le projectif et le fictif.Un autre enjeu de la recherche est de situer les objets d'étude par rapport aux idées auxquelles ils empruntent. Ceux-ci sont envisagés dans une perspective élargie, non réductible à l'art, les conduites imitées renvoyant à des registres de pratiques bien identifiés (cadre d'étude scientifique et technique, invention individuelle ou collective, cadre d'usage) qui impliquent non seulement une réflexion sur les formes, mais encore sont attachés à divers cadres d'inscriptions : tous appellent un usage, suppose l'adoption de postures d'énonciation et de réception, renvoient à une diversité de statuts endossés par l'auteur, confiés aux visiteurs d'exposition, ainsi qu'aux praticiens imités.Enfin, les projets de Bublex s'inscrivent dans un monde de l'art constitué et participent d'une tradition projective bien établie dans l'art depuis les années 1960 ; l'étude les situe dans l'histoire de l'art. Sur le plan d'une réflexion esthétique plus large, elle souhaite également montrer que les conduites projectives dans l'art peuvent fournir des outils précieux pour la compréhension de certains usages de la représentation, mobilisés notamment pour produire des fictions et des projets.

2019

Uses of unprimed canvas - looking at the absorptive qualities of the painting support and its material nature

Paintings come about from the encounter between substances.This text will describe painting on unprimed canvas - canvas in which the fabric has not been covered in preparatory layers - as an encounter between fabric and paint. Oil, egg, solvent, glue, pigment, resin and water interact withcotton, linen or hemp fibers woven into what - uncovered -can constitute a reactive membrane for paint instead of a mere support. Painting's materials are subjected to forcesduring the process of making, and for the rest of their lives: forces of push and pull due to phenomena like gravity, capillarity, drag, attraction or repulsion.The thesis calls attention to some of the possibilities and drawbacks that this encounter produces for the painter, and what it does for the viewer. What does the unprimed canvas enable, and what does it produce? How does the raw fabric of the unprimed canvas function inside the pictorial space, for the painter; and how then does this impact the perception of that pictorial space, by the viewer?

Le tournant esthétique de la participation urbaine à l'épreuve de la société civile

Cette thèse porte sur les articulations entre esthétique et politique au sein de la participation urbaine, et, plus particulièrement sur les promesses politiques d'une participation urbaine qui ferait la part belle à l'expression, la figuration, l'imagination et la création, ainsi qu'aux dimensions incarnée, sensible, attachée, affective et émotionnelle de nos rapports à la ville. Ainsi, il semblerait que des engagements et des intérêts « esthétiques » puissent favoriser l'empowerment et l'émancipation ; l'inclusion démocratique et la symétrisation des pouvoirs ; des manières renouvelées de vivre ensemble et de créer en commun. Des promesses de cet ordre sont au cœur de ce que je propose de nommer un tournant esthétique de la participation urbaine institutionnelle, c'est-à-dire, le passage d'une conception délibérative de la participation, pensée sur le modèle du « forum » à une conception esthétique de la participation, pensée sur le modèle de l'« atelier ». Or, déjà, des voix critiques s'élèvent. Certains soulignent les risques de dépolitisation qui accompagnent l'esthétisation de la participation et de l'expérience urbaines. D'autres, a contrario, soulignent le risque de subordination de l'esthétique au consensus démocratique et à l'éthique, au détriment de la qualité urbaine et de l'autonomie de la création. Certains pointent moins l'articulation esthético-politique, que des facteurs externes susceptibles de la mettre en péril. En cause, les suspects usuels : les institutions et le capitalisme. L'objectif de cette thèse est de prendre au sérieux ces critiques, sans abandonner les exigences politiques d'une participation où la part qualitative de notre expérience urbaine trouverait une place. La proposition ici faite pour y parvenir est de décentrer le regard, en ne s'intéressant pas directement aux dispositifs institutionnels de participation. Ma première hypothèse, plutôt de nature factuelle, pose que les promesses politiques du tournant esthétique de la participation urbaine débordent son versant institutionnel, qu'elles prennent entre autres leurs sources dans des mobilisations et initiatives de citoyens, de militants, de créateurs engagés qui, depuis les luttes urbaines des années '60, scandent l'histoire de la production de la ville. Cette hypothèse a des implications « généalogiques », dans la mesure où elle incite à relire l'histoire de la participation urbaine institutionnelle non seulement à l'aune de son « esthétisation », mais également en mettant en évidence les liens de parenté voire parfois de filiation directe entre cette esthétisation et des dynamiques participatives émanant de mouvements sociaux et de la contre-culture. La seconde hypothèse est plutôt de nature normative et a des implications évaluatives et prospectives. Elle pose que c'est au sein de mobilisations et d'initiatives de la société civile que des promesses dont est également assorti le tournant esthétique de la participation urbaine institutionnelle se sont le mieux incarnées, et que celles-ci fournissent des leviers de résistance face aux critiques dont il est l'objet. Enfin, les deux hypothèses mises bout à bout nous invitent à nous interroger sur les manières dont l'institution a plus ou moins bien accueilli ces tentatives. Mesurer les écarts entre ces moments de politique vivante et leurs éventuelles percolations dans des dynamiques participatives ultérieures, permet de saisir comment nous avons hérité de ces mobilisations et initiatives de la société civile et, éventuellement, comment nous pourrions mieux en hériter.

2018

Espaces de processus / Espaces d'analyse. Description graphique de mécanismes géométriques compositionnels et représentationnels.

Cette thèse s'intéresse à quatre projets non construits du groupe d'architectes angeleno Morphosis. Ces quatre projets n'existent que par les maquettes et les dessins qui les représentent, ainsi que par les artefacts conceptuels auxquels ils sont liés ; ils témoignent d'un paroxysme de complexité géométrique et d'un raffinement dans la production graphique, deux caractéristiques du travail des Californiens par lesquelles ils se feront connaître sur la scène internationale à la fin des années 1980. Ces quatre projets - les Malibu, 6th Street, Reno & Was Houses - sont devenus iconiques par la couverture médiatique dont ils ont bénéficié à l'époque, bien que Morphosis les ait présentés sans explications, ou presque. L'ambition de cette recherche est donc de décoder les mécanismes compositionnels et représentationnels à l'oeuvre dans ces projets et dans ces artefacts conceptuels souvent complexes et cryptiques, de façon à exposer les principes à l'oeuvre dans leur écriture architecturale sophistiquée. Pour ce faire, cette recherche dépossède temporairement Morphosis de son statut d'Auteur, et s'empare des objets du corpus afin d'en proposer une lecture interprétative, d'en extirper un propos architectural dont ces objets seraient porteurs, mais que Morphosis n'a jamais explicité comme tel. Les moyens que se donne cette recherche pour mener ces investigations sont principalement des procédés opérationnels basés sur les outils canoniques de la discipline architecturale : la manipulation des systèmes projectifs augmentée des techniques graphiques contemporaines. Il s'agira donc de décrire des objets architecturaux n'existant que dans la représentation graphique, en mobilisant précisément la représentation graphique. Les deux objectifs principaux de cette recherche sont monographiques et méthodologiques. En ce qui concerne les objectifs monographiques, il s'agit de rendre accessible et didactique des procédés de compositions basés sur la systémique et la complexité ostentatoire qui ont fait la marque de fabrique de Morphosis, et de comprendre notamment en quoi les objets du corpus, engendrés par les moyens traditionnels anticipent le courant architectural dit numérique de la décennie qui va suivre. En ce qui concerne les objectifs méthodologiques, il s'agit de mettre au point une méthode d'investigation procédant d'une transposition des outils opérationnels de la conception architecturale dans un contexte analytique ; une méthode faite d'itérations récurrentes empruntant les chemins parfois intuitifs de l'architecte-concepteur, mais dans une démarche d'observation a posteriori, rigoureuse et référencée, en vue de la construction d'un nouveau corpus de connaissances.

2014

L'Art en pratique

Cette thèse présente les résultats d'une enquête sociologique sur la condition actuelle des artistes en arts visuels et plastiques, réalisée au Québec et en Belgique francophone. Il s'agit d'une étude comparative concernant les mondes de l'art dans lesquels évoluent ces artistes, mais également d'une recherche sur les représentations qu'ils entretiennent à l'égard de leur propre identité d'artiste, de leur rôle et de leur statut social aujourd'hui. Quels sont les enjeux d'une carrière artistique en 2013? En quoi consistent les épreuves et les balises, les facteurs de persistance ou d'abandon d'un tel parcours? Comment choisit-on de devenir artiste au tournant du XXIe siècle, ou de le demeurer? Quelles motivations orientent un tel choix? De quelles manières cette pratique professionnelle s'inscrit-elle dans l'univers contemporain du travail, de la production de biens ou de la culture mondialisée? <p>Trois objectifs principaux ont dirigé la recherche. En premier lieu, la thèse expose, au moyen des données disponibles dans chaque pays concerné (statistiques, législations, études diverses), les contextes sociaux, économiques et institutionnels dans lesquels évoluent les artistes en arts visuels. En second lieu, elle explore les différentes dimensions de la création plastique en tant que pratique concrète, à partir d'une trentaine d'entretiens compréhensifs menés auprès d'artistes de toutes disciplines et générations, au Québec et en Belgique francophone entre 2008 et 2012. L'enquête interroge les parcours professionnels et personnels afin de savoir selon quelles modalités s'organise le travail artistique aujourd'hui et quelles sont les spécificités contemporaines de ces métiers séculaires. En troisième lieu, cette enquête met en lumière, par le biais de l'analyse des récits recueillis, les univers de représentations et de valeurs qui guident les artistes dans leurs choix quotidiens. Se trouvent identifiés et analysés les critères justifiant leurs choix et leurs actions, leurs référents éthiques ainsi que le sens qu'ils accordent à leurs pratiques de création et, plus généralement, au phénomène de l'art dans la société.<p>Ce troisième objectif de la recherche permet d'ouvrir la question de l'ethos. En tant que concept heuristique ayant permis d'approcher, dans le cadre de cette enquête, la dimension des raisons d'agir, la notion d'ethos évoque le moment d'incarnation, dans la pratique concrète des individus, de l'ensemble des valeurs et idéaux qui les habitent. Ainsi, sur le plan conceptuel, cette thèse élabore une définition synthétique de la notion d'ethos à partir des multiples sens qui lui ont été accordés dans l'histoire des idées, depuis la Rhétorique d'Aristote jusqu'aux études actuelles en analyse du discours et en sociologie du travail, en passant par ses usages spécifiques chez Max Weber et Pierre Bourdieu.<p>Cette recherche se fonde sur une connaissance approfondie des études contemporaines et plus anciennes sur les artistes, leurs pratiques et leur statut, réel ou mythique. Néanmoins, dans la perspective méthodologique de la théorie ancrée, elle cherche à renouveler ces connaissances à partir d'une enquête de terrain, en portant une attention particulière aux catégories endogènes à travers lesquelles les artistes interprètent eux-mêmes leur réalité. La parole vive des personnes interviewées fut la source principale à partir de laquelle s'est accomplie l'étude de l'ethos artiste contemporain. C'est dans une approche d'inspiration pragmatiste, qui « prend au sérieux » les acteurs (selon l'expression de Luc Boltanski), qu'ont été menées les entrevues et les analyses de celles-ci. L'enquête révèle ainsi que les artistes d'aujourd'hui parviennent à négocier un espace de cohérence, dans leur vie professionnelle et personnelle, entre d'une part, leurs idéaux concernant l'art et l'authenticité de la pratique artistique, et d'autre part, les contraintes inhérentes à la réalité des mondes de l'art, de l'emploi et du capitalisme post-industriel. Dans une approche inductive, les différentes composantes de cette négociation se dégagent de l'analyse des entretiens, et permettent d'élaborer une sociologie du travail artistique qui tient compte de la dimension réflexive, épistémique, agissant au cœur des pratiques de création plastique.<p>Compte tenu des conditions économiques souvent difficiles de la pratique artistique, révélées par toutes les enquêtes sur le sujet, l'investissement personnel des artistes, en ressources de diverses natures, semble la condition essentielle à l'existence d'une production artistique, quelle qu'elle soit. Dans cette perspective, il demeure pertinent d'interroger la spécificité du statut et de la condition de l'artiste, particulièrement sous l'éclairage de l'ethos.

Président de jurys de thèse

2023

Epreuves de la colonialité dans l'art et la culture. Faire exister un monde noir à Bruxelles

Si, dans l'histoire culturelle et intellectuelle - passée et présente - des Africains et des Afrodescendants, la notion de « monde noir » est communément utilisée, elle reste paradoxalement très peu investie intellectuellement. De ce paradoxe, il ressort qu'elle recouvre des significations diverses, certes intéressantes, mais réductrices. Une préoccupation a traversé la thèse de bout en bout : tenter de conceptualiser un monde noir. Cette tentative est animée, avant toute considération politique, par le sentiment fort qu'un tel monde existe. Pour plusieurs raisons, sa mise en exergue et sa conceptualisation ne tiennent pas du « bon sentiment » ; elles sont plus que nécessaires. Il en va d'abord de la possibilité que ce monde noir puisse devenir conscient de lui-même et, surtout, tel que le formule Du Bois, conscient de ce qui le compose. Je me permets d'insister sur la conscience de « ce qui le compose » car c'est à cet endroit, celui des caractéristiques et de la nature de ce monde noir, que des appuis conceptuels me semblent manquer.

2018

Paysage : de démarche en (dé)construction photographique. Géohistoire de l'image à l'aube de l'Anthropocène

De quoi le geste photographique est plein dans le paysage ? Pour répondre à cette question, nous employons une méthode résolument transversale en revenant à l'étymologie pour déployer non pas une manière de faire mais d'aller vers. Dans cette lancée favorable à une pratique et une théoriedu paysage puis à l'articulation de ces deux versants, la recherche épistémologique permet de décrire les fondements de l'instauration des dualismes, ces césures aux fondements de la modernité européenne d'abord instaurés par la projection perspective (cette manière tout à fait singulière de se représenter - mais aussi de rapporter - le monde) et sur lesquelles le paysage européen repose ; tandis que la recherche photographique vient éprouver nos arguments et in fine, mettre en abîme les conceptions épistémologiques dont l'outil photographiques'est in niment fait le relais dans le paysage. Nous montrons notamment que l'image photographique consomme la rupture du fossé dualiste : elle le fait matériellement aboutir en images et en épuise symétriquement sa possibilité théorique. En Islande, sur un terrain qui donne - du moins de prime abord - toutes les garanties d'une « pure nature », nous photographions des sites où il n'est visiblement plus possible de séparer nettement le naturel de l'humain, avec l'ambition de faire poindre, à la fois dans et par l'image, ce qu'il convient de nommer la fermeture épistémologique qu'annonce l'Anthropocène, un tournant géohistorique éminemment photographique.